Wolf Alice

Es ist nun mehr als ein Jahrzehnt her, dass Wolf Alice begannen; zunächst als Duo, bestehend aus Rowsell und dem Gitarristen Joff Oddie, dann später erweitert zu einem vierköpfigen Ensemble, mit Schlagzeuger Joel Amey und Bassist Theo Ellis. Ihre Musik war magisch: Meister des feurigen Refrains, des Grunge-Riffs, des Flüsterns und des Rebellengeschreis. Währenddessen erzählten Rowsells Texte von der Jugend und der jungen Frau, von Nächten, besten Freunden und Busfahrten nach Hause; von Sehnsucht und Wut, Freiheit und Freude.

Auf eine Reihe von EPs folgte 2015 ihr Debütalbum My Love Is Cool, das Platz zwei der britischen Albumcharts erreichte und für den Track "Moaning Lisa Smile" eine Grammy-Nominierung erhielt. Der Nachfolger, Visions of a Life, erschien zwei Jahre später und gewann 2018 den Mercury Prize. Es gab weltweite Tourneen, Support-Slots für die Foo Fighters, Queens of the Stone Age und Liam Gallagher, und die Band war Gegenstand eines Films des verehrten Regisseurs Michael Winterbottom.

Einen Nachfolger zu Visions of a Life zu schreiben war eine große Herausforderung. Der Erfolg des Albums, gepaart mit den vielen Monaten auf Tour - die Schinderei mit Shows, Flügen, Hotels und langen Busfahrten über viele Meilen - hatte einen kreativen Tribut gefordert. "Als wir aufhörten zu touren", erinnert sich Rowsell, "dachte ich 'Scheiße, ich habe keine Songs geschrieben...'"

Die Band zog sich in ein Air B'n'B in Somerset zurück, und hier, weit weg von Festivalbühnen, Tourbussen, Preisverleihungen und Fans, fanden sie heraus, wer sie gemeinsam waren. Sie festigten ihre Freundschaft, verbrachten eine etwas chaotische Nacht und begannen in einer umgebauten Kirche mit der Arbeit an ein paar ersten Demos. "Wir hatten keinen Filter für irgendwelche Ideen", sagt Ellis. "Jede Idee war zu diesem Zeitpunkt eine gute Idee. Und wir haben alles sehr wahllos gemacht, aber es ging einfach darum, es wieder zum Laufen zu bringen, einen Ort zu haben, an dem wir uns treffen konnten, uns in diese Atmosphäre zu versetzen."

Rowsell entdeckte auch, dass sie die Anfänge von mehr Songs hatte, als sie gedacht hatte. "Ich wusste gar nicht, dass ich sie geschrieben hatte", erklärt sie. "Einfach weil ich nicht mehr wusste, was gut ist. Es war schon so lange her, dass wir zusammen neue Songs geschrieben hatten, dass ich Angst hatte, sie jemandem zu zeigen, und dass sie sagen würden: 'Die sind scheiße! Du kannst keine Songs mehr schreiben!'

Tatsächlich hatte sich Rowsell während ihrer Zeit außerhalb des Studios als Songwriterin erheblich weiterentwickelt, und die Band war von der neuen Reife ihrer Texte beeindruckt. "Ich denke, das sind die besten Songs, die Ellie je geschrieben hat", sagt Oddie. Sie hat diese seltene Gabe des Songwritings erlangt - die Fähigkeit, den schmalen Grat zwischen vollendeter Geschichtenerzählerin und bekennender Lyrikerin zu beschreiten. Und sie hat auch erkannt, dass in der Verletzlichkeit sowohl Stärke als auch Trost liegen kann. "Dieses Album ist für andere Menschen", sagt sie. Die Songs wurden in der Hoffnung geschrieben, dass sie "den Leuten das Gefühl geben, dass ihnen zugehört wird, wenn sie etwas durchmachen." Blue Weekends Geschichten über Liebe und Trennungen, enge Bindungen und Desillusionierung sind größtenteils das Produkt von Rowsells Erkenntnis über die Rolle der Musik in unserem Leben, über die Bedeutung der Songs, die sie schreibt.

"Manchmal hört man einen Song und fühlt sich besser, oder man hört einen Song und fühlt sich gesehen", erklärt sie. "Ich erinnere mich, dass ich mich wegen irgendetwas traurig fühlte und dachte: 'Ich frage mich, welche Songs ich hören kann, die sich mit dem befassen, was ich gerade fühle'. Es war fast so, als ob ich verzweifelt versuchte, mich besser zu fühlen, und ich würde jeden Weg gehen, um mich mit etwas nicht allein zu fühlen, oder um es besser zu verstehen. Und das habe ich vorher noch nie absichtlich getan, ich hatte es nie wirklich gesucht."

Obwohl diese Songs kategorisch "kein Tagebucheintrag" sind, wurzeln sie dennoch in Rowsells eigenen Erfahrungen. "Ich bin wirklich nervös wegen dieses Albums, weil man merkt, was ich durchgemacht habe", sagt sie. "Aber ich musste mir immer wieder sagen, dass es das wert ist. Und nur ich kann sagen, was echt ist und was nicht, und ich muss es niemandem erzählen."

Ein durchgängiges Thema des neuen Albums ist die Liebe - ihre Entdeckung, ihr Verlust, ihre Stärke, für Partner, Freunde, uns selbst. "Auf My Love Is Cool wollte ich sicherstellen, dass es keine Liebeslieder gibt - ich erinnere mich, dass ich bewusst keine haben wollte, weil ich dachte, das wäre cooler", sagt sie. "Ich hatte das Gefühl, dass es von mir erwartet wurde, Songs über Beziehungen zu schreiben. Aber jetzt ist es mir egal, denn ich will sie hören! Wenn ich in eine Buchhandlung gehe, oder wenn ich auf Netflix gehe, gebe ich 'Beziehungen' ein. Denn das ist es, was mich interessiert."

Der herausforderndste der neuen Songs war "Feeling Myself". "Ich sehe viele Musikerinnen, die über Selbstliebe schreiben und offener über ihre Erfahrungen sprechen", sagt Rowsell. "Aber als ich es schrieb, hatte ich das Gefühl 'Uh, wird das peinlich werden?' Aber ich wusste, dass ich mich nicht schämen musste, um es gut zu machen." Es gibt vielleicht kein größeres Beispiel für die Progression in Rowsells Arbeit. "Ich denke, es geht einfach darum, dass ich älter werde und das Gefühl habe, dass es mich nicht mehr so sehr interessiert", sagt sie. "Wenn ich als Mensch weiterkommen will, muss ich nicht so viel Angst vor Dingen haben, vor dem, was ich sagen will."

Inspiriert wurde sie von der Kühnheit vieler ihrer Kolleginnen, für die "es sich ausgezahlt hat, sich nicht zurückzuhalten." "Ich wurde von ihnen inspiriert, offen über Dinge zu sprechen, über die die Leute nicht unbedingt etwas hören wollen", erklärt sie. "Ich weiß nicht, ob das ein weibliches Ding ist, aber Selbstliebe oder Sexualität."

Einen Teil dieses Trotzes hat sie vielleicht durch die Reaktionen auf "Yuk Foo" von Visions erworben, als sie feststellte, dass die Aussage des Songs "I wanna fuck all the people I meet" von einigen mit Entsetzen aufgenommen wurde. "Als ob es eklig wäre, dass ich jemand bin, der Sex hat oder keine Angst hat, darüber zu sprechen", sagt sie. "Und dann habe ich mich geärgert, dass es Dinge gibt, die die Leute nicht wollen, dass ich so bin." Dieses Gefühl, sagt sie, habe sie zu dem neuen Track "Smile" inspiriert.

Musikalisch findet Blue Weekend zu einer neuen Einfachheit in ihren Songs. "Wenn man die Songs zurücknimmt, ging es uns mehr um das Gefühl als um den musikalischen Wert", sagt Rowsell. "Es fühlte sich an wie 'Wenn wir dieses Gefühl der Seele nicht einfangen, dann haben wir es nicht' Ich denke, wir hatten das Gefühl, dass man, wenn man sich wirklich auf das Gefühl oder das Thema oder die Texte konzentriert, nicht durch etwas zu Schlaues abgelenkt werden will."

Auch das ist ihrer Meinung nach ein Produkt ihrer neuen Reife als Band. "Ich erinnere mich, dass St. Vincent etwas darüber gesagt hat, dass man, wenn man älter wird, merkt, dass man so lange versucht hat, nicht die Songs zu schreiben, die eigentlich die eigenen Lieblingssongs sind. Wenn man jünger ist, denkt man: 'Ich muss den Leuten beweisen, dass ich alle Akkorde kenne und meine Strukturen abgefahren sind! Und dann, wenn man älter ist, denkt man 'Ich will einfach einen Song schreiben, den ich auf meiner Beerdigung hören würde'."

In der Vergangenheit haben Wolf Alice viele Musikstile in ihre Musik einfließen lassen - von Shoegaze über Grunge, Synth-Pop bis hin zu Punk. "Ich weiß immer noch nicht, was der 'Wolf-Alice-Sound' von dieser Platte ist", sagt Ellis. "Aber als eine Ansammlung von Songs denke ich, dass es mehr von einer DNA hat, als wir vorher hatten."

Unterstützt wurden sie bei dieser Entwicklung von Produzent Markus Dravs (Arcade Fire, Bjork, Mumford & Sons). Seine Rolle half ihnen dabei, "zu begründen, warum wir etwas machen wollten, zu überlegen: ,Was bringt uns das?'" erklärt Oddie. "Und das ist etwas, womit wir im Studio noch nie wirklich konfrontiert wurden. Es war immer ein Fall von: Wolf Alice werfen drei Monate lang ständig Scheiße an die Wand und dann kommt etwas heraus. Ich denke also, dass dies eine andere Art der Arbeit war. Die Reife der Platte wurde vielleicht dadurch gefördert, dass Markus uns dazu brachte, jeden einzelnen Teil eines Songs zu hinterfragen. Indem wir die Intention in Frage gestellt haben, denke ich, dass die Dinge dadurch raffinierter werden."

Aber es sind immer noch erkennbare Wolf Alice-Songs. Bei einigen Tracks, wie "Delicious Things", verfolgten sie den Ansatz 'alles drauf zu werfen und es dann zurückzubringen', fügt Rowsell hinzu. Ich denke, wir sind an einem Punkt angelangt, an dem wir uns in der Mitte treffen können, zwischen seiner Art und unserer Art, und einen Song benutzen, um diese Balance wirklich zu finden."

In vielerlei Hinsicht erwies sich dies als ein Prozess der Verfeinerung und Verstärkung der musikalischen Identität der Band. "Wir haben eine sehr spezifische unausgesprochene Sprache untereinander, weil wir so viel Zeit miteinander verbracht haben", sagt Ellis. "Und ich denke, wir mussten erkennen, dass nicht jeder instinktiv versteht, was wir zu sagen versuchen, und wir müssen unsere Ideen viel besser erklären, als wir es tun - was normalerweise mit adjektivischen Verweisen auf Farben und Sounds geschieht.

Die Band war auch in der Lage, aus anderen, bisher wenig genutzten Stärken zu schöpfen - für Amey, der ein zunehmendes Interesse an der Produktion hat, bedeutete dies, das Programmieren zu erkunden, "auf Ableton herumzutüfteln und Synthesizer-Sounds zu machen." Für Oddie bedeutete es, die Möglichkeiten der akustischen Instrumentierung auszuloten. "Auf dieser Platte gibt es viel mehr Sounds, die man eher als klassischen Gitarrensound bezeichnen würde", sagt er. "Aber ich habe viel Zeit damit verbracht, mit akustischen Instrumenten zu arbeiten, zu versuchen, sie auf verschiedene Arten zu spielen und sie auf unterschiedliche Weise zu schichten."

Für eine Band, die zehn Jahre damit verbracht hat, sich einen Ruf als phänomenaler Live-Act zu erarbeiten, sind die derzeitigen Einschränkungen beim Touren schmerzhaft. Selbst zwei Jahre nach ihrer letzten Show "hat sich das Gefühl nicht verflüchtigt, dass es acht Uhr ist und ich auf der Bühne sein muss", sagt Ellis.

Anstelle von Live-Auftritten haben sie eine Reihe von Musikvideos gedreht, die jeden der Songs des neuen Albums begleiten. Sie hoffen, dass sie damit einen Weg finden, sich mit den Fans zu verbinden, die sie noch nicht sehen können, um ihr Publikum wieder in die Nähe zu ziehen, selbst in einer Zeit der großen Entfernung. "Man fühlt sich einfach hungrig nach so etwas", sagt Oddie. "Nach dem Gefühl der Gemeinschaft, das diese Veranstaltungen mit sich bringen. Denn das Maß an Verbundenheit, das man zu viert auf der Bühne hat, wenn man etwas vor Tausenden von Menschen macht, ist so tiefgreifend. Es ist so eine einzigartige Sache."

Auch Rowsell hofft, dass das neue Selbstvertrauen, das Wolf Alice als Songwriter gefunden haben, bedeutet, dass diese Songs eine noch größere Bindung zu ihrem Publikum aufbauen werden. "Eines der Dinge, die mich in meiner Karriere bewegt haben, ist, wenn ich Shows spiele und einen 60-jährigen Mann sehe, der seine Augen schließt und neben einem 16-jährigen Mädchen mitsingt", sagt sie. "Wir schreiben nicht speziell für eine bestimmte Person. Wir gehen einfach von dem aus, was uns bewegt, und hoffen, dass, wenn es uns bewegt, es auch jemand anderen bewegt."